音楽の録音と販売 101 - 金融・投資・家計管理を学ぶ旅

"アルバムのレコーディングの創造的および技術的な側面とは別に、スタジオに入る前に考慮しなければならない法的および契約上の問題があります。アーティストまたはレーベルは、記録は、手数料や使用料を支払うべきかどうか、また支払う場合は各当事者にいくら支払うべきかについて、全員が同じ考えを持っていることを確認する必要があります."

--Howard Hertz,エンターテインメント弁護士

弁護士は、その業務の個々の焦点に応じて、音楽業界に関する知的財産と契約に関連する事件を担当する場合があります。多くの場合、作曲家やパフォーミングアーティストは、この業界の経済的および法的問題に関しては初心者です。したがって、この記事では、録音された音楽の CD で収支を合わせるために、録音、製造、および販売の基本について説明します。私 (Dr. Sase) は経済問題に取り組みます。

私は経済学者であると同時に、オリジナルの音楽をリリースし、他のアーティストの音楽をプロデュース/エンジニアリングしたミュージシャンでもあります。さらに、私は小さなレコーディングスタジオを所有し、運営しています。この記事の法的な要素については、ミシガン州ブルームフィールドヒルズにある Hertz Schram PC のエンターテインメント担当弁護士である Howard Hertz を歓迎します。最小。代わりに、全体像を提示し、この市場に関係するものの基本的な理解を提供します.このようにして、弁護士が、この分野でのキャリアを試みることを希望する可能性のあるクライアント、家族、または友人を教育するのに役立つことを願っています. (読者の中には、CD、レコード、および自分の音楽のダウンロードを出すことに興味を持っている人もいるかもしれません。) したがって、簡単に、読書を楽しむために「音楽を録音するための必需品」を紹介します。

録音された音楽の制作

最初は、リハーサルやギグごとに「ローファイ」録音を行うのがよいでしょう。多くの場合、パフォーマーは、講義や会議を記録するために使用されるタイプのポケットデジタルレコーダーを使用します。新しいデジタルモデルは 6 時間以上保持できるため、電源を入れたままにしておくことができます。素材とその性能が原始的な条件下で許容できると思われる場合、その録音は 1960 年代のポケットトランジスタラジオテストに合格したことになります。重要なことは、曲の構造やアレンジの変更に関する口頭でのメモは、将来の参照用に含まれることです。

デジタルビデオレコーダーは、同じ目的に適しています。デジタルオーディオワークステーション (DAW) の世界では、ビデオレコーディングは優れたスクラッチトラックにもなります。動きや変化を見て追うことができるため、ミュージシャン、プロデューサー、エンジニアは古い機械的なクリックトラックから解放され、マルチトラックのオーバーダビングプロセスでより自然で表現力豊かなフィーリングを実現するのに役立ちます。

Ledツェッペリンのギタリスト、ジミー・ペイジがバンドのプロデューサーを務めた。彼はペイジの中世の家、ヘドリーグランジのホールで彼を録音することにより、ドラマーのジョンボーナムから巨大なドラムサウンドを得ました。森、ビーチ、居間、練習室、バスルーム、その他の場所は、新しい音楽の部分を実験して開発するための素晴らしい場所を提供します。一般的に、レコーディングスタジオはそうではありません。 24 時間体制で作業できる独自のスタジオがある場合でも、概観を維持するために、別の場所でワークアップを行うのが通常は最善です。

1950 年代初頭、ギタリストのレスポールは、ポールのガレージで、彼の友人でクルーナーのビング・クロスビーの助けを借りて、マルチトラックのサウンド・オン・サウンド録音を発明しました。インタビューで、ポールは次のように強調しています。機械に言わせないでください。機械に何をすべきかを伝えます。」

したがって、すべての楽器とボーカルのパートを事前に準備し、スタジオに入るときの緊急時対応計画を含む作業スケジュールを立ててください。これは、クリエイティブなコントロールを維持できる最終的な場所です。土壇場で変更を加える必要がある場合は、セッション中の過度のプレッシャーや混乱を避けるために、変更を最小限に抑えることができます。

動画から詳細な計画をうまく引き継ぎます。業界は、録音された音楽と最も密接に関係している業界です。映画製作者のアルフレッド・ヒッチコックは、スタジオシステムで監督として働いていました。彼は自分の時間だけでなく、同じプロジェクトで一緒に働いている他の多くの専門家の時間にも責任を負っていました。

撮影に先立って、「ヒッチ」はシーンのすべてのショットの絵コンテを作成してからサウンドに進みました。ステージ。たとえば、ジャネットリー主演の映画『サイコ』の有名なシャワーシーンでは、3 分 10 秒の間に 52 の個別のショットがあります (サイコ (1960) の有名なシャワーシーン、YouTube で 52 ショットで解剖)。

マスターストーリーボード担当者は、血のチョコレートシロップを含め、すべての詳細を作成し、カメラを回転させる前に各ショットをフレーミングしました。ヒッチコックの偉大さの大部分は、計画による予算の厳格な管理と引き換えに、クリエイティブなコントロールを維持する彼の能力に由来しています。時は金なりです。

レコーディングスタジオに戻ると、レコーディングする予定よりも多くの素材を準備しておくことをお勧めします。人生は起こります。ときどき、運が良ければ、追跡を予想よりも速く進むことがあります。また、うまくまとまらないこともあります。これが発生すると、再加工できるようになるまで作品を棚上げする必要があります。プロデューサー、レコーディングエンジニア、ミュージシャン、およびセッションの他の参加者の準備、移動、およびスケジュールの調整にかかる時間と物理的なコストを考えると、緊急時対応計画は貴重な資産となります。

この点で、予備のケーブル、バッテリー、およびヒューズをすぐに入手できるようにすることで、Time-Is-Money 要因が機器の問題に波及します。マーフィーの法則の 1 つは、そのようなアイテムは重要な時期に失敗するという悪名高いと述べています。

録音に関しては、経験が最良の教師の 1 つであり続けます。多くの場合、実際の録音セッションで聞くことになる以前に録音したトラックに対して練習することは、テイクの準備をする最も経済的な方法です。通常、サウンドオンサウンドプロジェクトは、スクラッチトラックやクリックトラックに対して録音されたパーカッションに基づいて構築されている場合に最も効果的です。次に、リード楽器またはボーカルが追跡される前に、ベース、キーボード、ギター、バックグラウンドボーカル、およびその他の楽器が追加されて、トラックがピッチのスペクトル (最低周波数から最高周波数) まで上向きに追跡されます。

インストゥルメンタリストまたはボーカリストに、スクラッチやクリックトラックを除いた現在までのベストミックスのコピー (つまり、録音対象となるもの) を提供すると、混乱、フラストレーション、および時間を節約できます。このワークミックスにより、ミュージシャンはパートを創造的に開発し、セッションの前にテンポ、リズム、ボリュームのニュアンスに慣れることができます。通常、これによりテイクの生産性が向上し、テイクの数が少なくなります。この準備のためのプロジェクトの追加費用は、CD を焼くか、ミックスの MP3 コピーを作成するためのわずかな費用です。関係者全員が節約できる時間のメリットは、このコストをはるかに上回ります。

スタジオの時間にお金を払っているかどうかにかかわらず、自分の時間だけでなく、他のミュージシャンの時間も投資していることになります。、プロデューサー、エンジニア、技術者がプロジェクトに協力しています。したがって、全員が時間通りに到着し、可能であれば少し早く到着する必要があります。

スタジオはプロフェッショナルな作業環境です。他の音楽専門家にも、あなたが弁護士、医師、または歯科医に与えるのと同じ敬意と礼儀を与えてください。遅延、延期、またはキャンセルする必要がある場合は、タイムリーに行ってください。

延期またはキャンセルのプロフェッショナルな時間は、通常 24 時間から 48 時間です。時間通りに来て開始することの重要性と同じくらい重要なのは、セッション全体だけでなく、個々のトラックの作業をいつ停止するかを知ることです。疲労はあいまいで相対的な用語です。ただし、追加のテイクを追跡することの限界純利益がゼロになるポイントを感知することは、開発する価値のある専門的な特性です。

自分のプロデューサーやエンジニアとして行動していない場合は、時間を作ってください。この人にあなたのビジョン、ニーズ、懸念事項を事前に共有してもらいます。この時間を使用して、セッションが始まる前に、制作上の注意事項、機器の要件、およびその他の日常的な項目を確認してください。関係者全員が、セッションを開始する前に、自分の責任の深さと範囲を理解する必要があります。遅延はすべての時間を食い尽くす... 時は金なり。したがって、プロデューサーやエンジニアと同じ考えを持っていることを確認してください。

さらに、スタジオとその機器の制限に注意してください。トラック、マイク、シグナルプロセッサ、およびその他の必需品の種類と量を把握しておくことをお勧めします。なじみのない機器を使用する予定がある場合は、時間をかけて調査してください。可能であれば、事前にこの機器で作業してください。レコーディングセッションは、不愉快な驚きの場所ではありません。最適な計画を立てるために、計画したミックスを簡素化する必要がある場合に備えて、制限事項を知っておく必要があります。

赤い録音ライトが点灯したら、予算内に収まるようにパフォーマンスを技術的に正確にすることが重要です。 .ただし、私たちはアートを作成していることを忘れないでください。心からの感情と感情で遊ぶことが最も重要です。アートを商業的に制作するには、実用的なものと優美なものの間の細い線を歩く必要があります。その結果、音楽制作の天才は 99% の汗です。

テクノロジーに反対するのではなく、テクノロジーと協力してください。一般に、フロップでプレイを続けるのは、停止して最初からやり直すよりも最善です。録音された音楽の芸術の一部は、リテイクの短いセクションに「パンチイン」するか、デジタルでコピーして、シームレスな方法でトラックにいくつかのノートを成形することです。ほとんどのテイクが必要な芸術的完全性を備えている限り、「時は金なり」の実用主義が機能します。

サウンドを形成する際には、その時点で優勢なリードラインに焦点を合わせ続けます。通常、イントロ、アウトロ、ソロを除いて、ボーカルがリードします。リードラインの予備テイクに対して伴奏を展開することは、滑らかで自然なサウンドを実現する方法です。また、このような伴奏は、リードラインの最終テイクを再録音するミュージシャンに柔軟性と独立性を与える強固な基盤を提供します。オリジナル追跡。通常、最終的にステレオにミックスダウンする前に、ミックスの一部を再構築または修復するためにミックスに戻ると、よりコストがかかります。クリーンな状態で録音してから、後でエフェクトやその他の「甘いもの」を追加することをお勧めします。

録音された音楽の制作は、他の成功したプロやビジネス起業家が懸念事項に対処するのと同じように扱います。多くの競争市場と同様に、ダウンロードされたトラックまたは CD コレクションごとの収益は、すべてのアーティストのスパンで比較的一定しています。レディー・ガガのアルバム『ボーン・ディス・ウェイ』は、年間ベストセラーの 1 つであり、マドンナのアルバム『MDNA』と同等の小売価格で市場に出回った.

としてその結果、単位あたりの利益を制御するという経済的なタスクは、方程式のコスト側に完全に落ちます。音楽制作は主に時間コストに関するものであるため、製品の完全性と品質を損なうことなく安全にコストを削減できるアクションは、真剣に検討する必要があります。注: これらのアクションには、ゲストをセッションから遠ざけること、テイクのバックアップコピーを頻繁に作成すること、プロジェクトの過程で徹底的にメモを残すことが含まれます。

優れた製品を完成させるために、編集、ミキシングを期待してください。、およびその他のポストプロダクション作業に予算を割く必要があります。制作とポストプロダクションのすべての時間を合計すると、1 トラックあたり 40 時間から 50 時間の投資が見込まれます。つまり、アルバム全体で合計 500 時間が標準と見なすことができます。これが、ほとんどのポストプロダクションでホームスタジオに自由にアクセスできることが高く評価される理由です。

この価値の一部は、耳が疲れやすいという事実に由来します。その結果、鋭いリスニングを必要とする長時間のセッション後の利益は減少します。ありふれたカット、スプライシング、フェードやプラグイン効果の追加を超える作業には、新鮮な耳の鋭さが必要です。疲れた耳は通常、費用のかかる手直しを必要とする標準以下のミックスをもたらします.

ミックスがいつ完了したかはいつわかりますか?この質問は、スープができたかシェフに尋ねるようなものです.それは知ることの問題です。コマーシャル録音のそのポイントを、制約付きの最適値に到達するポイントとして定義できます。それは、実用的な予算の制約を受けて、芸術的なビジョンが達成されるポイントです。

一部のエンジニアにとって、このポイントは、1 組の安っぽい古い車のスピーカーから再生するときに発生します。他の人にとっては、この時点は、以前にそれを聞いたことがない他の人のために録音を再生し、彼らにとっても正しいと感じるときとして定義される場合があります.いずれにせよ、あなたは最高のボーカルと楽器のテイクを手に入れ、スタジオの魔法を使って最大のサウンドを実現し、音楽が世界に解き放たれる準備ができていると感じます.

技術と記録の経済的側面は法的観点です。私のゲスト寄稿者である Howard Hertz は、レコーディング (マスターと呼ばれる) または曲 (作曲) への有形の貢献は、その作品に貢献した人が著作権所有権または実演権を保持する結果になる可能性があると説明しています.

アーティストまたはレコードレーベルが完全に所有し、一般に販売するために配布できるアルバムをスタジオからリリースするためには、契約書に適切な「業務委託」文言を含める必要があります。 (基本的に、著作物を雇うということは、寄稿者が、すべての作品が公平な報酬のために行われたことを示すことによって、原盤または作品に対する所有権の主張を放棄することを意味します。)

Hertz は、これらの契約はすべてのプロデューサーによって署名されなければならないことを強調しています。プロジェクトに携わったエンジニアとサイドパーソンのミュージシャン。通常、アーティストまたはレーベルは、契約上、マスターレコーディングの著作権を所有する必要があります。一方、基礎となる作品の著作権所有権は、その音楽作品の複数の作家によって所有されている場合があります。ただし、関係者全員が書面で合意した場合、アーティストまたはレーベルはこれらの権利を「買い取る」ことができます。

多くの場合、そのような合意は複雑になる可能性があるため、各作品の「分割シート」は作曲の録音後に記入されます。このシートには、各寄稿者によって書かれた曲または楽器の決定されたパーセンテージと、関係する各当事者の出版社が所有する出版権のパーセンテージがリストされています。次に、分割シートにすべての貢献者が署名し、決定され割り当てられた分割が拘束力のある合意になります。

これは非常に重要な点です。多くのカジュアルまたは非公式の音楽グループによって見落とされることが多く、ビジネス法を控えめに説明していないため、それらをゼネラルパートナーシップとして扱います。そのような事業体として運営するということは、書面による合意が存在しない場合、すべてのパートナーが同等の株式を保有することを意味します。音楽ビジネスに関しては、Mr.Hertz は、反対の書面および署名済みの同意がない場合、実際の貢献の割合に関係なく、言葉または音楽を提供した各作家が作品を均等に所有することを繰り返します。

Hertz は、このイラスト: 「[I]3 人の作家が作品に貢献し、反対の署名がない場合、作家の 1 人が 1 行の歌詞のみを提供し、同意した可能性が高いとしても、それぞれが著作権の 3 分の 1 を所有します。分割シートに入れられた場合、曲の 5 パーセントまたは 10 パーセントのシェアです。」すべてのミュージシャン、オーディオプロデューサー、およびエンジニアへの知恵の言葉: これらの途切れ途切れの海をガイドする資格のあるエンターテインメント弁護士を側に置いてください。

最終製品の複製とマーケティング< /p>

これまでに説明した 500 時間の時間、エネルギー、および芸術的な不安は、サンクコストとして埋もれています。これは、販売用に録音された音楽の制作に関連する回収不可能な固定費です。録音された音楽の制作では、コストのほとんどは前払い、固定、および埋没です。これには、商業的に CD を複製するために使用されるガラスマスターとカバーアートワークを作成する時点までに発生したすべての費用が含まれます。

アーティストがこの時点に到達するために必要な投資額は、スタジオ（ニューヨークまたはロサンゼルス対国内の他の場所）、その設備、およびその評判。伝えられるところによると、現在のハイエンドは 1 時間あたり約 3,000 ドルです。付随的な費用を無視すると、150 万ドル (500 時間 x 1 時間あたり 3,000 ドル) のプロジェクト予算が必要になります。このコストを回収するための販売予測に基づくと、この値札を超えて「ガガ」になるアーティストは多くありません.

ニューヨークとロサンゼルス以外の都市部では、1 時間あたりの平均スタジオコストが下がっているようです。 1 時間あたり 75.00 ドルから 150.00 ドルの金銭的範囲。これにより、アーティストがプロデューサー/エンジニアとしての 2 つの義務を果たすと仮定すると、プロジェクトの平均コストは約 $50,000.00 に下がります。

アーティストがプロデューサー/エンジニアでもある場合、そのアーティストは約20,000.00ドルで音楽を出すことができます。これは、1 時間あたり 50.00 ドルの予算重視のスタジオを使用するか、20,000.00 ドルを自分のデジタルオーディオワークステーション、いくつかの優れたマイク、プリアンプ、音響サウンドコントロールマテリアルに投資することで実現できます。

録音された音楽の分野に参入する多くのミュージシャンにとって、後者は非常に実行可能な選択肢となっています。録音で使用する音楽のスタイルと音楽のアレンジの単純さを考えると、一部のアーティストは、約 10,000.00 ドルで音楽をドアの外に出す準備を整えることができます。比較検討のために、これらの最後の 3 つの数字を使用して、アーティストが起業家として働き、リリース全体を管理していると仮定します。

CD の複製は非常に競争の激しいビジネスになっています。選択したパッケージの種類にもよりますが、1,000 部あたりの価格は約 1,000.00 ドルまで下がりました。これにより、CD 1 枚あたり 1.00 ドルのユニット製造 (物理 CD の作成) コストが得られます。ただし、宣伝費はかかります。主要だが効果的な宣伝費は、ラジオ局、クラブ、および個人に戦略的に無料のコピーを配布して、ことわざのポンプを起動する方法です。また、YouTube や Facebook などのソーシャルメディアの使用は「無料」の広告です。

簡単にするために、10 曲を収録した CD の販売促進費が CD 1 枚あたり平均 0.50 ドルであると仮定します。より多くの CD が製造され、宣伝され、販売されるほど、プロジェクトに投資しなければならないお金が増えます。つまり、製造および販売促進のコストは数量によって異なります。

この例では、アーティストの平均純収益が CD 1 枚あたり $10.00 であるとします。これは、CD の価格が 14.00 ドルで、人気のあるオンラインストアの 1 つを通じて販売されたり、デジタルダウンロードとして配布されたり、ライブパフォーマンスで販売されたりする可能性があることを示唆しています。私たちの経済問題は、損益分岐点分析と言い換えることができます。ビジネスの世界では、3 年から 5 年の損益分岐点が妥当と考えられています。したがって、私たちのアーティストをスタートアップビジネスとして見て、損益分岐点を 4 年 48 か月と予想してみましょう。

私たちが知りたいのは次のとおりです。アーティストは収支を合わせるために、次の 48 か月で販売する必要がありますか?この目標を達成するには、月に何枚の CD を販売する必要がありますか? CD 1 枚あたりの変動費は 1.50 ドルと見なされるため、この計算の重要な決定要因は、マスターレコーディングを作成するための前払いの埋没/固定費です。この固定金額を、CD の販売価格と、各 CD の製造および販売促進にかかる費用の合計との差で割ると、販売しなければならない損益分岐点の数量に到達します。

録音費が 50,000 ドルの場合、合計 5,882 枚の CD を 1 か月あたり 123 枚の割合で販売する必要があります。アーティストが 20,000 ドルで自分のプロジェクトスタジオを節約またはセットアップした場合、1 か月あたり 49 枚の割合で 2,353 枚の CD を販売する必要があります。アーティストがわずか 10,000 ドルで市場に出回る品質の製品を達成できた場合、損益分岐点は 1,176 枚の CD に減少し、1 か月あたり 25 枚、つまり 1 日あたり約 1 枚の割合で販売されます。アーティストが十分な音楽的才能、レコーディングスキル、および経験を持っている場合、1 時間あたり 25.00 ドルの必要最小限のスタジオでこの目標を達成できる可能性があります。

The Great Beyond

私たちは、アーティストやグループが制作から直接販売 (ギグでのグッズ販売など) まで 2 つの雑用を除いてすべてを行う、起業家向けインディーレーベルと呼ばれるものに焦点を当ててきました。 1 つ目は、Discmakers, Inc. などの会社を通じて CD を作成することです。2 つ目は、CDBaby Inc. などの音楽マーケティングサービスの助けを借りて、これらの CD の一部を販売することです。これらの CD は、デジタルダウンロードとしてオンラインで販売されます。

はしごを上る次のステップは、小規模な起業家精神にあふれた音楽会社がメジャーまたはマイナーなレーベルと契約することです。この時点で、アーティストを代表する優れたエンターテインメント弁護士が不可欠になります。ハーツ氏が冒頭の引用で述べたように、「レコーディングの費用を支払うアーティストまたはレーベルは、料金および/またはロイヤリティが支払われるかどうか、また支払う場合はいくらになるかについて、全員が同じページにいることを確認する必要があります。

現在、レコード業界はデジタル時代に再発明されています。この時代は、以前は数百万ドル規模のレコーディングスタジオしかできなかったことを達成するための手頃な手段をアーティストにもたらしました。オンライン配信は、CDBaby、iTunes、Amazon、およびその他の会場を通じて実現可能になり、多くのアーティストにとって好ましいものになりました.これらの出来事がメジャーレーベルに残したものは、大規模な市場への製品の資金調達、宣伝、配布という最善の方法を継続して行うことです。

彼女のブログ、レコーディングアーティストのコートニーラブ、ラブズマニフェストで、彼女は次のように述べています。「レコード会社が存在する理由があるとすれば、アーティストの音楽をより多くのファンに提供し、より多くのより良い音楽を聴衆に提供しなければなりません。これまでに知られていないアーティストは、メジャーが提供しなければならない巨大なプロモーションの休憩から恩恵を受けます.新しいアーティストを獲得するには、ほとんどのアーティストが独自に持っていない資金が必要です。」

レーベルは、どのアーティストと契約するかを決定する際に、アーティストの販売の可能性を考慮します。この決定は通常、アーティストが以前に達成したことに基づいています。大まかな経験則として、メジャーレーベルは少なくとも 1 万枚以上のアルバムを販売したことを確認できるアーティストと契約します。さらに、レーベルは、ソーシャルメディアを通じてアーティストの音楽について寄せられたフィードバックだけでなく、より多くの視聴者に製品を売り込むためにツアーの計画を検討します。

再録音/マスタリング、製作、配布、ツアーサポート、およびその他販促投資にはすべて資本化が必要です。それにもかかわらず、ビジネスはルーレットに匹敵します。ホイールには、36 個の白黒の数字と、緑の「0」と「00」があります。ギャンブルハウスは、これらの最後の 2 つで勝ちます。勝つ確率は 5.26% です。これは、2 つの緑の数字をホイール上の合計 38 の数字で割ったものです。レコード業界では、リリースされたすべてのレコードの 10% だけが損益分岐点に達します。リリースの約 5% だけが利益をもたらします。これにより、損失の 90% が補助されます。

したがって、アーティストに与えられるキャッシングは、アーティストの能力、アーティストから回収できる可能性のある費用、および市場での成功の確率によって決定されます。最終的に利益を生むリリースの 5% に依存します。前払いは前払いです。基本的に、それは将来の記録的な販売で得られると期待されるロイヤルティ (売上の割合) を通じて返済されるローンです。アーティストとの契約の下で、レコードレーベルは返済を望んでおり、最初に返済する必要があります。

レーベルは、さまざまな費用が返済されるまで、売上からのすべてのアーティストの収益を保留します。さらに、マルチアルバム契約では、返済は複数のアルバムと前払いにまたがって回収できます。レコード会社による投資を証券化するこの方法は、相互担保化として知られています。いくつかの例外を除いて、ビデオ制作費、ラジオプロモーション、ビルボードサインからツアーサポートまで、アルバムのプロモーションに投資されたすべてのセントは、アーティストロイヤルティポイントから回収できます。その結果、ほとんどのアーティストは、レーベルによる回収が完了するまでロイヤリティポイントから $0.00 を稼いでいます。非常に簡単に言えば、自分が関わっているのはビジネスであることを思い出すことで、この目標を達成できます。さらに、このビジネスは、経済学者が完全競争市場と呼ぶ市場で行われます。市場は、同様の状況にある製品の価格を設定し、その価格はどの時点でも比較的一定です。

この市場の質により、、販売されるレコードの量が増えるにつれて、収益は一定の割合で増加します。その結果、利益を増やす方法は 2 つしかありません。 1 つは製品をより多く販売することであり、もう 1 つは生産、製造、販売促進、および流通のコストを削減することです。

物理的、経済的、および法的な問題について読者を教育したことを願っています。レコード音楽ビジネスの側面。この記事への有益な貢献に対して、私のゲスト寄稿者である Howard Hertz に感謝します。

私の YouTube チャンネル http://www.YouTube.com/videoeconomist。私の Web サイトから連絡できます。 : http://www.saseconomics.com

記事のソース: https://EzineArticles.com/expert/John_F_Sase/2114126

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